Les expositions d'art à ne pas manquer à Los Angeles cet automne

Detail of "Palm Trees Series 2 Kumeyaay" by Charles Gaines at Hauser & Wirth

Charles Gaines - "Numbers and Trees: Palm Canyon, Palm Trees Series 2, Tree #4, Kumeyaay" (detail) | Photo: Hauser & Wirth

L’automne marque le début officiel de la saison artistique, et les musées et galeries de Los Angeles regorgent d’œuvres incroyables et d’une grande profondeur. Vous trouverez ci-dessous quelques expositions à ne pas manquer. Venez y faire un tour, ou quittez tout simplement votre canapé pour monter dans le métro et découvrir toutes les belles expositions (parfois étranges) que L.A. a à offrir. L’automne marque le début officiel de la saison artistique, et les musées et galeries de Los Angeles regorgent d’œuvres incroyables et d’une grande profondeur. Vous trouverez ci-dessous quelques expositions à ne pas manquer. Venez y faire un tour, ou quittez tout simplement votre canapé pour monter dans le métro et découvrir toutes les belles expositions (parfois étranges) que L.A. a à offrir. 

"Nineteen Nineteen" at The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens

"Nineteen Nineteen" | Photo: The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens

The Huntington Library, Art Museum, and Botanical Gardens

"Nineteen Nineteen" (Jusqu'au 20 Janvier 2020)

La bibliothèque, le musée d'art et les jardins botaniques de The Huntington organisent la célébration leur centenaire avec Nineteen Nineteen, une grande exposition qui examine l’institution et sa fondation à travers le prisme d’une seule et même année mouvementée. Présentant plus de 250 objets issus de la bibliothèque et des collections d'art de The Huntington, l'exposition s'organise autour de thèmes définis par les verbes « Fight » (lutter), « Return » (revenir), « Map » (schématiser), « Move » (avancer) et « Build » (construire). Les incontournables de l’exposition comprennent des éléments représentatifs de 1919, tels qu'une carte de 11 mètres du réseau de transports urbains Pacific Electric (aussi connu sous le nom de « Red Car ») à Los Angeles, des photographies astronomiques de la lune et des constellations, des affiches de la Révolution allemande et des pamphlets de suffragistes, ainsi que d'importantes œuvres acquises par Henry E. Huntington dans la période qui a précédé cette année-là, comme le manuscrit original de l’autobiographie de Benjamin Franklin, le journal d’Aaron Burr et les mémoires du général William T. Sherman.

"What Now, Part I" (19 octobre, 2019 au 17 février 2020)

What Now : Les collections des bibliothèques au XXIème siècle est une exposition en deux parties qui invite les visiteurs à réfléchir sur la pertinence perpétuelle du rôle de la bibliothèque de The Huntington dans la documentation de l'expérience humaine. Plus de 100 articles exposés (environ 50 dans chacune des deux installations successives) illustrent les tendances récentes du développement de la collection de la bibliothèque de The Huntington. Cela va d'un manuscrit du moyen anglais du XVème siècle d'un des textes fondateurs de la littérature de voyage à des tirages imprimés à grande échelle sur le thème de la botanique, réalisés en 2009 par l'artiste californienne Jane O'Neal. Toutes les œuvres exposées ont été acquises au XXIème siècle, et elles seront exposées au public à The Huntington pour la première fois. La deuxième partie de l’exposition, What Now, Part II, sera visible du 1er mai au 24 août 2020.   

Shirin Neshat, "Land of Dreams" video still (2019)

Shirin Neshat, "Land of Dreams" video still (2019) | Photo: The Broad

"Shirin Neshat: I Will Greet the Sun Again" - The Broad (10 octobre - 16 février 2020)

Shirin Neshat: I Will Greet the Sun Again (Je saluerai le soleil à nouveau) est à ce jour la plus grande exposition de la carrière de l'artiste de renommée internationale Shirin Neshat, commencée il y a plus de 30 ans. Tirant son titre d'un poème du poète iranien Forugh Farrokhzad, l'exposition présente environ 230 photographies et huit travaux vidéographiques. Elle offre un rare aperçu de l'évolution du parcours artistique de Neshat, explorant les thèmes de l'exil, du déplacement et de l'identité avec beauté, utilisant une dynamique d’inventions formelles et une grâce poétique. Avec en guise d’ouverture sa première série de photographies, Women of Allah, l'exposition présente également des travaux vidéographiques emblématiques telles que Rapture, Turbulent et Passage, mais également de monumentales installations de photographie telles que The Book of Kings, The Home of My Eyes et Land of Dreams, une nouvelle série de photographies et deux vidéos immersives qui seront exposées pour la première fois à l’échelle internationale. Les billets pour cette exposition sont maintenant en vente. 

Detail of "Palm Trees Series 2 Kumeyaay" by Charles Gaines at Hauser & Wirth

Charles Gaines - "Numbers and Trees: Palm Canyon, Palm Trees Series 2, Tree #4, Kumeyaay" (detail) | Photo: Hauser & Wirth

Hauser & Wirth

« Charles Gaines: Palm Trees and Other Works » (Charles Gaines : Palmiers et autres œuvres) (14 septembre 2019 - 5 janvier 2020) 
Palm Trees and Other Works est la première exposition de Hauser & Wirth avec Charles Gaines, célèbre artiste américain mais aussi éducateur et lauréat 2019 du prix Edward MacDowell Medal, récompensant chaque année une personne qui a contribué à la culture et aux arts américains de façon exemplaire. Cette exposition fera ses débuts avec de nouvelles œuvres de sa série emblématique Gridworks. Utilisant des arbres indigènes de Palm Canyon près de Palm Springs, ces œuvres lumineuses ont connu une évolution à partir de l'application rigoureuse des systèmes numérotés de Gaines : il s’agit ici d’un processus essentiel au cœur d’une pratique appréciée depuis plusieurs décennies, interrogeant la relation entre l'objet et ses royaumes subjectifs. Gaines présentera également une nouvelle série d'aquarelles sur divers arbres, ainsi que Manifestos 3 (2018), la dernière contribution à une série dont les exemples précédents se trouvent dans les collections permanentes du Hammer Museum de Westwood et du Museum of Modern Art de New York.    

« Resilience: Philip Guston in 1971 » (Résilience : Philip Guston en 1971) (14 septembre 2019 - 5 janvier 2020) 
Hauser & Wirth présentera la première exposition personnellement consacrée à l'artiste américain Philip Guston depuis plus de cinquante ans à Los Angeles. Resilience: Philip Guston in 1971 met en lumière une année charnière qui a permis à Guston d'entrer dans les dix dernières années fécondes de sa carrière, au cours desquelles il a peint ce que l’on considère aujourd’hui comme l'une des œuvres d'art les plus importantes du XXème siècle. Deux grandes séries, les tableaux de Rome et les dessins de Nixon, seront présentées, accompagnées d'une plus large sélection d'œuvres. Créées à une époque d'agitation sur les plans social et politique aux États-Unis, ces œuvres témoignent d'un artiste et de ses pouvoirs à leur apogée, extrêmement attentif au monde dans lequel il vit. L’exposition Resilience est organisée par la fille de l'artiste, Musa Mayer, et sera accompagnée d'une nouvelle publication.    

Miriam Schapiro "Heartland" on view at MOCA

Miriam Schapiro, "Heartland," 1985, acrylic and fabric on canvas, 85 x 94 in. (215.9 x 238.76 cm). Orlando Museum of Art, purchased with funds provided by the Women for Special Acquisition and Council of 101, © 2019 Estate of Miriam Schapiro / Artists Rights Society (ARS), New York. | Photo by Zach Stovall, MOCA

MOCA

« Open House: Gala Porras-Kim » (7 octobre 2019 - 11 mai 2020) 
Dans le cadre de la célébration de son centenaire, le musée d’art contemporain de L.A. (MOCA) a lancé une nouvelle série d'expositions visibles actuellement, intitulée « Open House ». Pour la première fois de son histoire, le MOCA invite les artistes basés à Los Angeles à organiser des expositions à partir de la vaste collection d'objets du musée. La deuxième édition de cette série d’expositions est appelée Open House: Gala Porras-Kim. Pour son exposition au MOCA, Porras-Kim cherche à explorer la manière dont les musées agissent en tant que gardiens de l’art qu’ils possèdent. Son exposition rassemble un large éventail d'œuvres d'art (et d'autres matériaux éphémères) afin de mettre en lumière le rôle que le musée MOCA ainsi que son personnel de curateurs, de services administratifs et de conservateurs jouent dans la vie des œuvres de sa collection permanente.  

« With Pleasure » (Avec plaisir) (27 octobre 2019 - 11 mai 2020)

With Pleasure: Pattern and Decoration in American Art 1972–1985 est le premier travail de recherche complet sur le mouvement artistique américain révolutionnaire « Pattern and Decoration », comprenant des œuvres dans les domaines de la peinture, de la sculpture, du collage, de la céramique, mais aussi des installations et des œuvres documentaires sur la performance. L’exposition couvre les années 1972 à 1985 et rassemble une cinquantaine d'artistes de tous les États-Unis. Elle examine l’adoption provocante par le mouvement « Pattern and Decoration » de formes traditionnellement codées comme féminines, domestiques, ornementales ou artisanales et considérées comme catégoriquement inférieures aux beaux-arts.

JANM Hiroshima Prefectural Industrial Promotion Hall

Hiroshima Prefectural Industrial Promotion Hall | Photo by US Army. Courtesy of Hiroshima Peace Memorial Museum (HB118-B)

"Under a Mushroom Cloud" - JANM (9 novembre 2019 - 7 juin, 2020)

À l’occasion de la commémoration du 75ème anniversaire des bombardements atomiques d’Hiroshima et de Nagasaki, le Musée national américano-japonais (Japanese American National Museum) de Little Tokyo présente l’exposition Sous un champignon atomique : Hiroshima, Nagasaki et la bombe atomique, organisée en partenariat avec les villes de Hiroshima et de Nagasaki.    

Under a Mushroom Cloud (Sous un champignon atomique) comprendra, outre des photographies, des textes explicatifs et des objets appartenant à des victimes de la bombe, des œuvres d'art contemporaines offrant un éventail de perspectives sur les effets des bombes atomiques et leur impact sur la population d'aujourd'hui. L'exposition éclairera cette histoire douloureuse et fournira un espace sûr et propice aux discussions, dans l'espoir qu'un tel événement n’arrive plus jamais à qui que ce soit et dans quel pays que ce soit.

"Cross Colours: Black Fashion in the 20th Century" at CAAM

"Cross Colours: Black Fashion in the 20th Century" | Photo: CAAM

California African American Museum

« Timothy Washington: Citizen / Ship » (25 septembre 2019 - 1er mars 2020)
L’artiste Timothy Washington, basé à Los Angeles, a conçu une exposition d'œuvres visionnaires réalisées avec des techniques mixtes à son domicile de Leimert Park pendant plus de cinquante ans. Personnalité marquante du Black Arts Movement, moment majeur où les artistes et les écrivains afro-américains ont rendu collectivement hommage à la culture noire. Depuis lors, Washington est devenue la ville pionnière des travaux artistiques à forte teneur sociopolitique, exposant à la fois à l’échelle locale et nationale avec des artistes tels que Charles White et David Hammons.

Timothy Washington: Citizen / Ship présente le tout premier projet d'installation de Washington, une collection d'œuvres à la fois puissante et ludique qui associe le patriotisme américain à des récits afrofuturistes de fantaisie et de science-fiction. Par le biais de références à la technologie, à l’utopie et au mysticisme, Citizen / Ship aborde à la fois les aspects négatifs et positifs de la culture américaine et met l’accent sur les problèmes qui affectent la vie de la population noire : violence, racisme et déplacements, mais aussi survie, espoir, amour et réconciliation.   

« Making Mammy » (25 septembre 2019 - 1er mars 2020)
Making Mammy : une caricature de la femme noire, 1840-1940, explique comment le personnage de la « mamma » a été créé dans le but d'atténuer les atrocités de l'esclavage et de servir les intérêts sudistes à l'intérieur des terres, économiquement et politiquement. Popularisée au XXème siècle par des personnages tels que « Mamma » dans le film à succès Autant en emporte le vent (1939) de la société de production MGM, cet archétype de la servitude domestique noire était souvent décrit comme une personne bon enfant, en surpoids et bruyante. L’exposition Making Mammy rassemble des films, des photographies et des objets pour examiner l'héritage d’un stéréotype institutionnalisé, en prenant en compte un siècle de fabrication complexe de féminité noire, de dynamiques de pouvoir et de discours dans les médias de masse qui affectent toujours l'image du corps des femmes noires, le manque institutionnel ainsi que le sentiment d'identité qu’elles connaissent.      

« Cross Colours » (25 septembre 2019 - 1er mars 2020) 
En 1990, lors de la première saison du Prince de Bel-Air, l'acteur principal Will Smith portait des vêtements aux motifs colorés et aux couleurs originales conçus par une jeune ligne de vêtements citadins appelée Cross Colors. Fondée par Carl Jones et TJ Walker, la marque a grimpé en flèche et brisé les barrières des couleurs dans les vêtements pour hommes. Actifs durant l'âge d'or du hip-hop à la fin des années 1980 et pendant les années 1990, Jones et Walker incorporèrent des couleurs vives et des motifs graphiques reflétant non seulement les tendances de la mode, mais également l'adoption de l'afrocentrisme en réaction aux politiques injustes de l'ère Reagan, à la pauvreté croissante, à la brutalité policière et aux opportunités éducatives inférieures aux normes en vigueur à l’époque.  

Il s’agit de la première exposition consacrée à cette marque révolutionnaire, Cross Colours: La mode noire au XXème siècle présente des vêtements de l'époque, des extraits issus des médias et des documents rares qui illustrent la façon dont Cross Colours a marqué la culture populaire mais également la façon dont la mode peut être utilisée pour raconter de nouveau l'Histoire.  

Woman's two-piece outfit from "Gold at the [Au]try" exhibit at the Autry Museum

Woman's two-piece multicolored satin harlequin print outfit (shirt, skirt, hats; detail), designed and manufactured by Nathan Turk, Sherman Oaks, CA, lat 1960s. Autry Museum; 99.92.1.

"Gold at the [Au]try" - Autry Museum of the American West (jusqu'au 19 juillet, 2020)

L'or est un métal précieux et beau, mais il peut aussi faire l’objet d’une promesse vaine. Un simple désir d'or a provoqué des atrocités plus ou moins grandes, cependant, son attrait demeure. Découvrez une gamme d'œuvres d'art et d'objets en relation avec ce métal à Gold at the [Au]try, avec une nouvelle visite autonome et des expositions spéciales. Le changement de l’exposition permanente dans l’ensemble du musée améliore grandement l'expérience de votre visite.

NWA by George Rodriguez at the Vincent Price Art Museum in Monterey Park

NWA by George Rodriguez | Photo: Vincent Price Art Museum

Vincent Price Art Museum

Gabriela Ruiz: Full of Tears (21 septembre 2019 - 15 février 2020) 
Dans sa première exposition individuelle au musée, Full of Tears, l'artiste multidisciplinaire et designer Gabriela Ruiz (connue sous le nom de Leather Papi) imagine les mécanismes de la mémoire et les croisements de la technologie et des émotions grâce au rendu 3D, aux cartes vidéographiques et aux installations.

 

George Rodriguez: Double Vision (19 octobre 2019 - 29 février 2020) 
Première rétrospective depuis le début de la carrière de ce photographe de Los Angeles, George Rodriguez: Double Vision couvre plus de 40 ans d'images, du mouvement pour les droits civiques de Chicano à la vie quotidienne en milieu urbain, en passant par les cercles de célébrités d’Hollywood, la musique, les sports et les scènes de spectacle.   

 

Yolanda González: Sueño de Familia / Le rêve d’une famille (16 novembre 2019 - 14 mars 2020) 
Yolanda González: Sueño de Familia / Le rêve d'une famille examine l'héritage artistique de cinq générations d'artistes au sein d'une même famille à travers des dessins, des peintures, des céramiques et des gravures allant des années 1870 à nos jours. 

«New Deal a été la première entreprise à se concentrer principalement sur le skate de rue et la culture de rue. Les publicités intelligentes et amusantes de cette entreprise ont honoré leurs missions en tant qu’avant-garde des entreprises dirigées par des skateurs en souhaitant le ‘’pouvoir pour le peuple’’ et en étant ‘’l’oreille de la rue’’. New Deal a ouvert la voie pour les années 90.» - Shepard Fairey

 

WOOFCAT is an Ed Templeton board featured in "New Deal 1990" at Subliminal Projects

WOOFCAT is an original Ed Templeton board from 1990 featured in "New Deal 1990" | Photo: Subliminal Projects, Facebook

"New Deal 1990" - Subliminal Projects (jusqu'au 26 octobre 2019)

Subliminal Projects présente New Deal 1990, une exposition célébrant le 30ème anniversaire des skates New Deal, organisée par Shepard Fairey et Andy Howell, amis et collaborateurs de longue date. L'exposition présentera des œuvres originales des membres de l'équipe et des artistes de New Deal ainsi que divers objets d'art et pièces rares de collectionneurs qui ont contribué à préserver l'héritage de New Deal.  

La marque New Deal Skateboard Products va être relancée en 2020 en tant que marque héritée du passé mais réinventée, tout en s'appuyant sur sa création originale comme société dirigée par des skateurs. Donnant le ton pour ce nouveau lancement, l’exposition New Deal 1990 honore les premières années de la marque en réunissant une nouvelle fois la communauté des skateurs, artistes, musiciens et collectionneurs qui ont joué un rôle essentiel dans la création de l’ère New Deal, ainsi que des artistes passionnés par le rôle de New Deal comme influenceur de l'industrie du skateboard et de la culture créative telle qu'elle est connue aujourd'hui.

LACMA Maruyama Ōkyo "Cranes" Japanese screens

Maruyama Ōkyo, "Cranes," 1772, An'ei period (1772–80), Los Angeles County Museum of Art, gift of Camilla Chandler Frost in honor of Robert T. Singer | Photo: Wikimedia Commons

LACMA

« Betye Saar: Call and Response » (Betye Saar : Appel et réponse) (22 septembre 2019 - 5 avril 2020) 

Betye Saar, originaire de Los Angeles, est l'une des artistes les plus talentueuses de sa génération. Son travail aborde constamment les questions des origines, du genre et de la spiritualité. Partie intégrante de la forte tradition d'assemblage du sud de la Californie, l'œuvre de Saar combine de nombreux symboles et des objets trouvés lors de ses voyages en Afrique, au Mexique, en Asie, en Europe, aux Caraïbes, et à Los Angeles. Betye Saar: Call and Response examine la relation entre les esquisses préliminaires contenues dans les petits carnets de croquis que Saar a tenus tout au long de sa carrière et ses œuvres achevées. Parcourant les jeunes œuvres des premières années de sa carrière jusqu’à sa récente installation sculpturale, c’est la première exposition d’un musée californien à s’intéresser à toute la carrière de Saar et la première au monde à s’intéresser particulièrement à ses carnets de croquis.  

« Thomas Joshua Cooper: The World’s Edge » (Thomas Joshua Cooper : Le bout du monde) (22 septembre 2019 - 2 février 2020) 
Depuis 50 ans, Thomas Joshua Cooper réalise des photographies en extérieur. Souvent réalisées lors de voyages intenses vers des sites éloignés et isolés, ces superbes photographies noir et blanc à grande échelle résument l’impact psychologique du lieu à travers des détails géographiques et atmosphériques. Composé de 65 photographies grand format et de 75 photographies en noir et blanc au format 8x10, l’exposition The World's Edge présente The Atlas of Emptiness and Extremity, The World’s Edge, The Atlantic Basin Project de Cooper dans lequel il s’est lancé pour la première fois en 1987, afin de cartographier le bassin de l’Atlantique depuis les extrémités de chaque coordonnée nord, sud, est et ouest.    

 

« Every Living Thing: Animals in Japanese Art » (Toute chose vivante : les animaux dans l’art japonais) (22 septembre 2019  - 8 décembre 2019) 
Toute chose vivante : les animaux dans l’art japonais honore l'un des aspects les plus distinctifs et les plus fascinants de l'art japonais : la représentation d'animaux. Confortée par l'héritage spirituel unique du shintō et du bouddhisme au Japon, la révérence japonaise pour la nature et la place des animaux dans ce royaume s'expriment dans une myriade d'œuvres allant de la sculpture sur argile du VIème siècle à l'art contemporain. Organisée en thèmes, notamment les animaux du zodiaque, les animaux de la nature, la religion, les mythes, le folklore et les loisirs, l'exposition est fortement basée sur la collection permanente du Musée d'art du comté de Los Angeles (LACMA) et comprend des chefs-d'œuvre issus de collections publiques et privées japonaises et américaines, dont certaines sont exposées pour la première fois.

 

« Do Ho Suh: 348 West 22nd Street » (10 novembre 2019 - 25 octobre 2020) 
Do Ho Suh est surtout connu pour ses reconstitutions grandeur nature en tissu et acier de ses anciennes résidences en Corée du Sud, dans le Rhode Island, à Berlin, à Londres et à New York. Les créations de mémoire physique de Do Ho Suh abordent les questions du domicile, des déplacements, de l’individualité et de la collectivité et sont articulées à travers l'architecture de l'espace domestique. Alliant les techniques de couture coréennes traditionnelles aux technologies de cartographie 3D, le 348 West 22nd Street reproduit le rez-de-chaussée de la résidence de l'artiste à partir d'un seul immeuble situé à New York. Dans ce passage immersif de pièces contiguës, le visiteur découvre une représentation éphémère et fantomatique de l'histoire personnelle de l'artiste.   

 

« Fiji: Art and Life in the Pacific » (Fiji : Art et vie dans le Pacifique) (15 décembre 2019 - 19 Juillet 2020) 
Premier projet important sur l'art de Fidji monté aux États-Unis, Fiji : Art et vie dans le Pacifique montrera plus 225 œuvres d'art provenant de grandes collections internationales, y compris le Fiji Museum, le British Museum, le Museum of Archaeology and Anthropology (Cambridge), le Smithsonian et de célèbres collections privées. L'exposition comprendra des sculptures figuratives, des bols de kava rituels, des cuirasses en nacre et en ivoire de baleine, de grands tissus d'écorce, de petits temples portables, des armes et des aquarelles et peintures européennes.  

"Finding the Center: Works by Echiko Ohira" at Craft Contemporary

Finding the Center: Works by Echiko Ohira | Photo: Craft Contemporary

Artisanat Contemporain / Craft Contemporary

Finding the Center: Works by Echiko Ohira (Trouver le centre : œuvres d’Echiko Ohira) (29 septembre 2019 - 5 janvier 2020)

Première exposition individuelle dans un musée pour l'artiste Echiko Ohira, basée à Los Angeles, Trouver le centre examine sa riche production artistique des deux dernières décennies. Les œuvres d’Ohira sont basées sur du papier recyclé. Son amour pour ce matériau est né de son enfance au Japon, pays aux grandes traditions du papier. En plus du papier, Ohira utilise des clous, du fil et d'autres matériaux trouvés pour créer des formes sculpturales et des collages explorant les centres physiques et spirituels du corps humain, du monde naturel et du cosmos. 
  

Cynthia Minet : Jacked (29 septembre 2019 - 5 janvier 2020)

L'installation multimédia colorée Jacked de Cynthia Minet, sculptrice de Los Angeles, est mi-animale et mi-machine. Associant la forme de Panthera atrox, un lion disparu d'Amérique du Nord dont les restes ont été découverts dans le gisement de fossiles La Brea Tar Pits, à une pompe à huile moderne, Minet aborde notre relation complexe avec la pétrochimie et la particularité de l’histoire culturelle et géologique du quartier de Miracle Mile.     

RAW: Craft, Commodity, and Capitalism (Artisanat, produit et capitalisme) (29 septembre 2019 - 5 janvier 2020)

L’exposition RAW présente neuf artistes contemporains qui utilisent des produits courants comme matériau artistique pour explorer les effets historiques et contemporains du capitalisme mondial. Leur utilisation délibérée de ces matériaux souligne l'héritage complexe et persistant des structures capitalistes, telles que l'esclavage, le colonialisme et l'industrialisation, ainsi que leur impact humain et environnemental. Les œuvres présentées dans l'exposition comprendront des œuvres sculpturales et des installations créées à partir de coton, de sucre, de cuivre, de sel, de porcelaine, d'eau et d'autres matériaux. 

"Jeanne (Spring)" by Édouard Manet at the Getty Center

"Jeanne (Spring)" (detail), 1881, Édouard Manet, oil on canvas. The J. Paul Getty Museum

Getty Center

« Manet and Modern Beauty » (Manet et la beauté moderne) (8 octobre 2019 - 12 janvier 2020) 
Édouard Manet, grand peintre de la génération impressionniste du Paris moderne, était un provocateur et un dandy. Manet et la beauté moderne est la toute première exposition à explorer les dernières années de la vie et de la carrière courtes de Manet, révélant ainsi un regard nouveau et étonnamment intime sur le travail de ce célèbre artiste. Portraits élégants, somptueuses natures mortes, pastels et aquarelles délicats, vives scènes de café et de jardin évoquent le monde social distingué de Manet et révèlent sa fascination grandissante pour la mode, les fleurs et sa vision de la parisienne, incarnation féminine de la vie moderne dans sa beauté éphémère particulière.   

 

« True Grit » (15 octobre 2019 - 19 janvier 2020) 
Avec des œuvres issues de musées locaux, une collection privée et la collection personnelle de The Getty, l’exposition True Grit : Estampes et photographies américaines de 1900 à 1950 propose deux expositions pleines de vie. La première est composée d’estampes américaines du début du XXème siècle et la deuxième de photographies. Ces représentations fascinantes de l’époque donnent un large aperçu de la culture américaine, avec ses salles de danse, ses rings, ses gratte-ciels, ses métros, ses parcs et ses appartements. Utilisant des techniques novatrices, ces artistes américains ont capturé le monde brut qui les entoure et se sont accoutumés à la vie moderne.  

 

«Peasants in Pastel » (Paysans au pastel) (29 octobre 2019 - 10 mai 2020) 
Longtemps associé au portrait aristocratique, le pastel à commencer à passer de mode à partir du milieu du XIXème siècle, lorsque Jean-François Millet a transformé cet outil poudré avec une toute autre visée, et ce pour représenter les scènes de la vie paysanne de son temps. Paysans au pastel : Millet et la renaissance du pastel présente une sélection de pastels de Millet et de ses disciples, abordant la relation entre le travail rural et la récolte citadine et encourageant les visiteurs à réfléchir à la manière dont le médium choisi par l'artiste affecte notre compréhension de son sujet.  

 

« Balthazar » (19 novembre 2019 - 16 février 2020) 
Les légendes du haut Moyen Âge racontaient que l'un des trois rois qui ont rendu hommage au nouveau-né Jésus à Bethléem était originaire d'Afrique. Mais cette légende courait presque un millénaire avant que les artistes ne commencent à représenter Balthazar, le plus jeune des mages, en tant qu’Africain noir. Balthazar: A Black African King in Medieval and Renaissance Art (Balthazar : un roi noir d'Afrique dans l'art médiéval et de la Renaissance) explore la juxtaposition d'une image en apparence positive avec l’histoire difficile des contacts afro-européens, en particulier la traite brutale des esclaves africains, qui a façonné l'intérêt des artistes européens pour la représentation des ethnies.  

 

« Käthe Kollwitz » (3 décembre 2019 - 29 mars 2020)

Comptant parmi les plus grands artistes graveurs du XXème siècle, Käthe Kollwitz est célèbre pour ses représentations qui touchent des affres de la guerre, la pauvreté et l'injustice, mais aussi pour sa virtuosité technique. Käthe Kollwitz: Prints, Process, Politics (Estampes, processus créatif, vision politique) est une sélection d'œuvres sur papier de la collection Dr. Richard A. Simms du Getty Research Institute. Cette sélection comprend de rares dessins préparatoires, des épreuves de travail et des épreuves d'essai qui permettent de mieux comprendre le processus créatif de Kollwitz et de révéler la profondeur de son engagement social et politique.    

 

« Unseen » (17 décembre 2019 - 8 mars 2020)

À l’occasion du 35ème anniversaire de la collection de photographies du musée Getty, l’exposition Unseen: 35 Years of Collecting Photographs (Unseen: 35 ans de collecte de photographies) révèle l'étendue et la profondeur des acquisitions du Getty à travers une sélection de ses trésors cachés. Aucun d'entre eux n'a été exposé au Getty auparavant. Parcourant l’histoire de la photographie de ses débuts à nos jours, Unseen met en évidence les associations visuelles entre les photographies de différentes époques et de différents lieux afin d’encourager de nouvelles découvertes et de souligner un sentiment de continuité et de changement dans l’histoire de ce medium.    

Stanley Kubrick "Rosemary Williams, Show Girl" at the Skirball Cultural Center

Stanley Kubrick. "Rosemary Williams, Show Girl." 1949. Used with permission of Museum of the City of New York and SK Film Archives.

Skirball Cultural Center

« Through a Different Lens: Stanley Kubrick Photographs » (Sous un angle différent : Photographies de Stanley Kubrick) (17 octobre 2019 - 8 mars 2020) 
Pour ceux qui le connaissent en tant que cinéaste, le début de la carrière de photojournaliste de Stanley Kubrick sera une vraie révélation. En 1945, le futur réalisateur de films cultes comme 2001, l'Odyssée de l'espace (1968) et Orange mécanique (1971) n'était qu'un adolescent, mais il était doté d'une incroyable sensibilité photographique, qui recherchait déjà des histoires à résonnance humaine pour le magazine Look. L’exposition Stanley Kubrick Photographs explore une phase de la carrière d'un des personnages les plus influents de l'histoire du cinéma du XXème siècle.

"El Sueño Americano / Le rêve américain" (17 octobre 2019 - 8 mars 2020) 

C’est notre façon de traiter les plus vulnérables, notamment les migrants en quête d'une vie meilleure, qui définit la nature d’une nation. Tirée de la série photographique du même nom, l’exposition El Sueño Americano / The American Dream: Photographs by Tom Kiefer nous demande de réfléchir à la façon dont nous traitons les migrants comme si cette façon reflétait ce que nous sommes et de ce que nous voulons être en tant qu'Américains. Répondant au traitement déshumanisant auquel sont soumis les migrants en détention, Kiefer a soigneusement rangé et photographié les objets saisis et jetés par les gardes-frontières : des objets jugés «potentiellement mortels» ou «non essentiels» parmi de nombreux biens essentiels du domaine de la subsistance, de l'hygiène, de la protection, du confort ou des biens essentiels en raison de leur puissance émotionnelle

Annenberg Space for Photography Pope Francis at the Western Wall

Pope Francis at the Western Wall in Jerusalem | Photo: AP Photo/Oded Balilty, Annenberg Space for Photography

"W|ALLS" - Annenberg Space for Photography (jusqu'au 29 décembre, 2019)

Complexe, stimulant et immersif, l’exposition W | ALLS: Defend, Divide, and the Divine porte un regard historique sur la relation qu’entretiennent les civilisations avec les barrières, qu’elles soient réelles ou imaginaires. Pendant des siècles, à travers diverses civilisations, les murs ont été au centre de l'histoire humaine. Cette exposition explore les différents aspects des murs (artistique, social, politique et historique) au sein de six sections : Délimitation, Défense, Dissuasion, Divin, Décoration et Invisible. Avec plus de 70 artistes et photographes, W | ALLS invite les visiteurs à réfléchir à la manière dont ces structures, allant de la décoration au divin, affectent la psyché humaine et pourquoi nous continuons à les construire.

Lari Pittman "Untitled #5" at the Hammer Museum

Lari Pittman, "Untitled #5," 2010 (detail) | Photo: Hammer Museum

Hammer Museum

«Lari Pittman: Declaration of Independence» (Lari Pittman: Déclaration d'indépendance) (29 septembre 2019 - 5 janvier 2020) 
Lari Pittman: Déclaration d'indépendance est la rétrospective la plus complète de l'œuvre de l'artiste américain Lari Pittman des vingt dernières années. Peintre prolifique et enseignant adulé depuis bien longtemps, cet artiste basé à Los Angeles est très présent dans la communauté artistique locale et sur la scène internationale. De ses premières expériences de collage et de décoration au cours de ses années formatrices à la California Institute of the Arts en passant par ses peintures emblématiques produites en réponse à la crise du sida et aux guerres culturelles des années 1990 et ses recherches philosophiques actuelles sur la narration de l'histoire du textile, les œuvres de Pittman sont restées intactes. Les œuvres de Pittman font partie des travaux les plus visionnaires et influents du monde artistique depuis les années 1980. Cette exposition comprendra environ 80 peintures et 50 œuvres sur papier issues des fonds musée Hammer, ainsi que de collections publiques et privées du monde entier. Orangerie est une installation autonome offrant un espace intime pour visionner les œuvres de Pittman sur papier.   

 

« Hammer Projects: Max Hooper Schneider » (21 septembre 2019 - 19 janvier 2020) 
Hammer Projects est l'une des séries d'expositions du musée les plus acclamées par le public. Depuis 1999, ces expositions mettent en valeur le travail d'artistes contemporains du monde entier, en présentant souvent de nouvelles œuvres à un moment crucial du développement des artistes.

Les artistes sont souvent comparés à des inventeurs ou à des scientifiques et, dans le cas de Max Hooper Schneider, la comparaison est plus que métaphorique. Les expériences passées de Schneider en architecture du paysage et en biologie marine éclairent fortement son travail. La recherche, notamment scientifique, est la clé de son processus de création : il explore les relations entre la philosophie et la nature, le personnel et le politique, la destruction et la construction, et ce qu’il appelle des agents non humains et humains. Schneider créera une nouvelle installation immersive pour l'exposition Hammer Projects, sa première exposition individuelle dans un musée.  

Fresco from "Buried by Vesuvius" at the Getty Villa

Fresco with an Architectural Landscape (detail), Roman, about 40 BC, plaster and pigment. Museo Archeologico Nazionale, Naples, 9423. | Photo: Giorgio Albano, Getty Villa

Getty Villa

« Buried by Vesuvius » (Enterrés par le Vésuve) (jusqu'au 28 octobre 2019) 
La Getty Villa, située dans le quartier Pacific Palisades, est inspirée de la Villa dei Papiri à Herculanum. Enterrée par l'éruption du Vésuve en l'an 79, l'ancienne villa a été redécouverte et explorée par des tunnels souterrains dans les années 1750-1760 pour être ensuite en partie redécouverte dans les années 1990 et au début des années 2000. On y a découvert des sols en marbre et en mosaïque colorés, des murs décorés de fresques, une grande collection de statues en bronze et en marbre et une bibliothèque unique de plus de mille rouleaux de papyrus. Visible jusqu'au 28 octobre, Enterrés par le Vésuve : Trésors de la Villa dei Papiri présente bon nombre des découvertes les plus spectaculaires et analyse les tentatives de déroulage et de déchiffrage des papyrus carbonisés.

 

«Assyria: Palace Art of Ancient Iraq » (Assyrie: l'art du palais de l'Irak antique) (2 octobre 2019 - 5 septembre 2022) 
Du IXème au VIIème siècle av. J.-C., les rois assyriens ont décoré leurs palais de sculptures en relief magistrales qui représentent un moment fort de l'art mésopotamien, tant pour leur qualité artistique et leur caractère sophistiqué que pour leurs représentations vivantes de la guerre, des rituels, de la mythologie, de la chasse et d’autres aspects de la vie de la cour assyrienne. L'importance de ces anciens trésors n'a fait augmenter avec la récente destruction par l'État Islamique de nombreux reliefs restés en Irak. Les chefs-d’œuvre exposés dans l’exposition Assyrie: l'art du palais de l'Irak antique ont été spécialement prêtés par le British Museum de Londres

MOLAA Tomas Ochoa "Goal"

Tomás Ochoa - "Goal" from the "Paradise Black Line" series, 2017. Gunpowder on canvas, 94 ½ x 189 inches, Polyptych. Courtesy of the artist and Galería Licenciado.

Museum of Latin American Art

« Tomás Ochoa: Antología Memento » (15 septembre 2019 - 26 janvier 2020) 
Tomás Ochoa est un artiste sud-américain dont le travail défie les récits historiques établis. Depuis 2016, Ochoa vit et travaille en Colombie et a étudié l'héritage du colonialisme à travers le développement économique et les événements politiques. Antología Memento (Anthologie souvenir) présente 16 grands panneaux illustrant le paysage, l'architecture et les peuples de la Colombie. Ochoa réécrit l'histoire latino-américaine en soulignant les événements qui ont littéralement façonné la jungle et les bâtiments du pays. Les œuvres deviennent une chronologie illustrée et mise à jour qui relie la réalité actuelle de la Colombie à son passé caché.   

 

Exposition Día de los Muertos (25 septembre 2019 - 10 novembre 2019) 
L’exposition Día de los Muertos du Museum of Latin American Art (MOLAA) est un concours d’art et d’autels ouvert aux artistes résidant dans le sud de la Californie. Les œuvres d'art et les autels seront exposés pour le public dans l’Education Gallery du musée et feront partie du programme Día de los Muertos du MOLAA. Le thème de cette année porte sur nos origines et sur la manière dont elles nous façonnent consciemment et inconsciemment. Ce thème abordera la manière dont les générations précédentes, fondées sur la famille, la culture et la communauté, façonnent nos croyances, nos habitudes et nos coutumes. De Generación a Generación invite les artistes et le public à se connecter avec les parties d’eux-mêmes qu’ils ne connaissaient pas vraiment, créant ainsi un lien entre le passé et le présent.