Célébrons les femmes extraordinaires de Los Angeles

« Los Angeles est mon endroit préféré au monde et mon seul chez-moi. »

Billie Eilish

Des arts aux sciences, du sport à la politique, Los Angeles a vu naître des femmes extraordinaires qui ont atteint les sommets dans leurs domaines respectifs. Pendant des générations, elles ont lutté pour les droits des femmes, marqué les arts et la culture, réalisé des avancées scientifiques majeures, remporté de nombreux championnats et bien plus encore. Que ce soit à l'occasion du Mois de l'histoire des femmes en mars, de la Journée internationale des femmes le 8 mars, ou à tout autre moment de l'année, découvrez quelques-unes de ces femmes exceptionnelles nées à Los Angeles ou qui y ont vécu.

L'héritière du pétrole Aline Barnsdall est surtout connue pour avoir été la cliente de Frank Lloyd Wright pour la Hollyhock House, premier site de Los Angeles inscrit au patrimoine mondial de l'UNESCO. Elle acquit la propriété d'Olive Hill, d'une superficie de 14 hectares, en 1919. La construction de la maison débuta la même année et s'acheva en 1922.

En 1927, elle fit don des 4,6 hectares du Barnsdall Art Park à la ville de Los Angeles. Dans son legs, elle stipula que le site devait « demeure à jamais un parc public… pour le plaisir de tous [et qu'] aucun bâtiment ne soit érigé, sauf à des fins artistiques ». Le Département des affaires culturelles de la ville de Los Angeles gère les programmes culturels et artistiques du Barnsdall Park, tandis que l'entretien du parc est assuré par le Département des loisirs et des parcs.

Aline Barnsdall fut également une figure influente et une importante donatrice pour le Hollywood Bowl, et une mécène pour les architectes Richard Neutra, Rudolph Schindler et le photographe Edmund Teske, entre autres.

Originaire de Los Angeles, Amanda Gorman est devenue une icône mondiale instantanée grâce à une récitation vibrante de son poème « The Hill We Climb » lors de l'investiture du président Joe Biden et de la vice-présidente Kamala Harris en janvier 2021. Plus jeune poétesse à avoir récité son poème lors d'une investiture, Gorman a reçu les éloges de Barack et Michelle Obama, d'Oprah Winfrey, de Lin-Manuel Miranda et d'innombrables autres personnalités. Suite à cette lecture, ses livres « The Hill We Climb » et « Change Sings: A Children's Anthem » se sont hissés en tête des ventes sur Amazon. Une version livre de son poème inaugural, préfacée par Oprah Winfrey, a été publiée en mars 2021.

Lors de la cérémonie d'avant-match du Super Bowl LV, Gorman a interprété (par vidéo) son poème original « Chorus of the Captains », inspiré par trois travailleurs essentiels qui étaient les capitaines honoraires du tirage au sort. Gorman a été interviewé par Michelle Obama pour un article de couverture du magazine TIME et a été nommé sur la liste TIME100 Next ; dans sa présentation, Miranda a écrit qu'il était « un fan pour la vie ».

Née Wong Liu Tsong à Los Angeles de parents sino-américains de deuxième génération, Anna May Wong a connu une renommée internationale en tant que star de cinéma et icône de la mode. Sa carrière a traversé l'ère du cinéma muet, le cinéma parlant et en couleurs, la télévision, le théâtre et la radio. Wong est largement considérée comme la première star sino-américaine d'Hollywood, ayant partagé l'affiche avec des légendes de l'âge d'or comme Douglas Fairbanks dans Le Voleur de Bagdad (1924) et Marlène Dietrich dans Shanghai Express (1932).

Frustrée par les rôles stéréotypés de « femme fatale » et de « femme légère » qu'elle acceptait à contrecœur à Hollywood, elle partit pour l'Europe en 1928 et y connut un succès fulgurant. Durant cette période, elle joua sur les planches londoniennes dans A Circle of Chalk avec Laurence Olivier. À la fin des années 1930, Wong tourna dans plusieurs films de série B pour Paramount Pictures, ses rôles véhiculant une image positive des Chinois et des Sino-Américains. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Wong s'engagea bénévolement, en temps et en argent, pour soutenir l'effort de guerre chinois contre le Japon.

En 1951, Anna May Wong entre dans l'histoire avec « The Gallery of Madame Liu-Tsong », la première série télévisée américaine mettant en vedette une Américaine d'origine asiatique dans le rôle principal. En 1960, un an avant sa mort, elle reçoit son étoile sur le Hollywood Walk of Fame. Elle est l'une des quatre actrices pionnières représentées sur la sculpture « Gateway to Hollywood » à l'angle d'Hollywood et de La Brea, avec Dorothy Dandridge, Dolores del Río et Mae West. En mars 2020, elle figure parmi les 100 femmes de l'année du magazine TIME, qui recense les femmes les plus influentes du siècle dernier.

En octobre 2022, Anna May Wong marque à nouveau l'histoire en devenant la première Américaine d'origine asiatique à figurer sur un billet de banque américain, avec l'émission de la cinquième pièce de 25 cents commémorative des femmes américaines.

The New Yorker a décrit Beyoncé comme « l'artiste populaire la plus importante et la plus captivante du XXIe siècle… l'aboutissement, le point culminant logique de plus d'un siècle de pop ». Originaire de Houston, au Texas, Beyoncé s'est d'abord fait connaître comme chanteuse principale des Destiny's Child, l'un des groupes féminins les plus vendeurs de l'histoire. En solo, elle a vendu plus de 200 millions d'albums ; Billboard l'a nommée Meilleure Artiste Féminine des années 2000 et Plus Grande Star de la Pop du XXIe siècle. En mars 2020, elle figurait parmi les 100 Femmes de l'Année du magazine TIME, une liste des femmes les plus influentes du siècle dernier.

Sorti en mars 2024, Cowboy Carter est devenu le huitième album consécutif de Beyoncé à atteindre la première place du Billboard 200 et le premier album d'une artiste noire à se hisser en tête du classement des meilleurs albums country. « Texas Hold 'Em » fut le neuvième single numéro un de Beyoncé et la première chanson country d'une artiste noire à se hisser en tête des classements Billboard Hot 100 et Hot Country Songs.

Après avoir été nommée quatre fois pour l'Album de l'année, Queen Bey a finalement remporté le prix pour « Cowboy Carter » lors de la 67e cérémonie des Grammy Awards. Plus tôt dans la soirée, elle était devenue la première femme noire à remporter le Grammy du Meilleur album country. Avec 35 victoires et 99 nominations, Beyoncé est l'artiste la plus récompensée et la plus nommée de l'histoire des Grammy Awards. Elle détient également le record du plus grand nombre de Grammy Awards remportés par une artiste féminine en une seule soirée (six en 2010).

Beyoncé est reconnue pour son engagement militant. Elle s'est décrite dans Vogue comme « une féministe des temps modernes » et a souvent dénoncé les violences policières envers les Afro-Américains. Alliée de longue date de la communauté LGBTQ+, Beyoncé a publiquement soutenu le mariage pour tous. Beyoncé a inclus des personnes et des couples LGBTQ+ dans les clips de « Formation » et « All Night », et a dédié « Halo » aux victimes et aux survivants de la fusillade de la boîte de nuit Pulse à Orlando lors de sa tournée mondiale « The Formation World Tour ». En 2019, Beyoncé et Jay-Z ont reçu le Vanguard Award de GLAAD, qui récompense les alliés ayant contribué de manière significative à la promotion de l'acceptation des personnes LGBTQ+. Lors de la 65e cérémonie des Grammy Awards, lorsqu'elle a reçu son Grammy du meilleur album de musique dance/électronique pour « Renaissance », un prix record, la foule de stars l'a acclamée lorsqu'elle a remercié « la communauté queer pour son amour et pour avoir inventé le genre ».

Bridget « Biddy » Mason, ancienne esclave, devint une pionnière de l'immobilier à Los Angeles et une philanthrope très appréciée. Affranchie en 1856, elle s'installa à Los Angeles avec ses trois filles et exerça les professions d'infirmière et de sage-femme. Selon Wikipedia, elle mit au monde des centaines de bébés au cours de sa carrière et utilisa ses connaissances en phytothérapie pour soigner les malades de la variole, au péril de sa vie. Vivant frugalement, elle commença à économiser et investit ensuite ses économies dans l'acquisition de propriétés, devenant ainsi l'une des premières femmes afro-américaines propriétaires terriennes à Los Angeles.

En 1872, avec son gendre Charles Owens, elle fonda la première église afro-américaine de la ville, la First African Methodist Episcopal Church (Première Église épiscopale méthodiste africaine). Les réunions d'organisation se tenaient chez elle, sur Spring Street, et elle fit don du terrain sur lequel fut construite l'église. Investisseuse avisée, ses propriétés devinrent des biens immobiliers de premier choix à mesure que le centre-ville de Los Angeles se développait. Elle finit par amasser une fortune estimée à 300 000 dollars et soutint des projets philanthropiques tels qu'un centre d'aide aux voyageurs et la première école primaire pour enfants afro-américains.

Situé près de Spring Street, en face du Grand Central Market, dans le centre-ville de Los Angeles, le parc commémoratif Biddy Mason présente une frise chronologique de 24 mètres retraçant son existence remarquable.

Billie Eilish, de son vrai nom Pirate Baird O'Connell, est née à Los Angeles le 18 décembre 2001 et a grandi à Highland Park. À 14 ans, elle sort son premier single, « Ocean Eyes », écrit et produit par son frère Finneas. Depuis, elle a reçu neuf Grammy Awards, deux American Music Awards, vingt records du monde Guinness, sept MTV Video Music Awards, trois Brit Awards, deux Oscars et deux Golden Globes. Elle a figuré dans la première liste TIME100 Next en 2019, puis dans la listeTIME100 Next deux ans plus tard.

Sorti en 2019, son premier album studio, « When We All Fall Asleep, Where Do We Go? », s'est classé numéro un du Billboard 200 et des charts britanniques. Avec la sortie de l'album, Billie Eilish a battu le record du plus grand nombre de chansons d'une artiste féminine présentes simultanément au Billboard Hot 100, avec 14 titres. Le cinquième single de l'album, « Bad Guy », est devenu son premier numéro un au Hot 100, faisant d'elle la première artiste née au XXIe siècle à classer un single numéro un. Lors de la 62e cérémonie des Grammy Awards, Billie Eilish est devenue la plus jeune artiste à remporter les quatre prix les plus prestigieux : Album de l'année, Enregistrement de l'année et Chanson de l'année pour « Bad Guy », ainsi que le prix de la Révélation de l'année.

À 17 ans, Billie Eilish a enregistré la chanson thème de « Mourir peut attendre », devenant ainsi la plus jeune artiste à enregistrer un thème de James Bond dans l'histoire de la franchise. « Mourir peut attendre » a remporté un Grammy Award, un Golden Globe et l'Oscar de la meilleure chanson originale, faisant d'Eilish la première personne née dans les années 2000 à remporter un Oscar.

Le deuxième album d'Eilish, Happier Than Ever, est sorti en juillet 2021. Il s'est classé numéro un du Billboard 200 dès sa sortie et a dominé les charts dans plus d'une vingtaine de pays. Un film de concert, Happier Than Ever: A Love Letter to Los Angeles, a été diffusé sur Disney+ en septembre et propose des interprétations des 16 titres de l'album, avec Eilish accompagnée par Finneas et l'Orchestre philharmonique de Los Angeles. Le tournage a eu lieu au Hollywood Bowl, sans public.

En 2023, Eilish a sorti « What Was I Made For? », titre figurant sur la bande originale du film à succès Barbie. « What Was I Made For? » a remporté le Golden Globe de la meilleure chanson originale, le Grammy Award de la chanson de l'année et celui de la meilleure chanson écrite pour un média visuel, ainsi que l'Oscar de la meilleure chanson originale lors de la 96e cérémonie des Oscars, faisant d'Eilish la plus jeune artiste à avoir remporté deux Oscars.

Le troisième album studio d'Eilish, Hit Me Hard and Soft, est sorti en mai 2024 et a été acclamé par la critique. Il a cumulé plus de deux milliards d'écoutes en streaming en moins de deux mois. Ses dix titres, dont le tube « Birds of a Feather », se sont classés dans le Top 40 du Billboard Hot 100.

Eilish et Finneas figuraient parmi les artistes de renommée mondiale présents au concert FireAid, qui a permis de récolter 100 millions de dollars pour venir en aide aux victimes des incendies de forêt à Los Angeles en janvier 2025. Le concert sera disponible en VOD pendant un an et la famille de Steve Ballmer continuera de doubler les dons.

« Los Angeles est mon endroit préféré au monde, mon seul et unique foyer », a déclaré Eilish devant une salle comble à l'Inuit Dome. « Mon frère et moi vivons ici et avons grandi ici. C'est mon endroit préféré au monde, et ce qui se passe est tellement bouleversant. À tous ceux qui traversent cette épreuve, je vous aime et je suis là pour vous. »

Eilish a remporté son 10e Grammy, celui de la chanson de l'année pour « Wildflower », en 2026.

Largement considérée comme l'une des plus grandes joueuses de tennis de tous les temps, Billie Jean King, originaire de Long Beach, a appris à jouer sur les courts locaux et a perfectionné son jeu au Los Angeles Tennis Club de Hancock Park. Elle a fait ses débuts professionnels à l'âge de 15 ans.

Au cours de ses 22 ans de carrière, King a remporté 39 titres du Grand Chelem : 12 en simple, 16 en double dames et 11 en double mixte. Sa victoire à Roland-Garros en 1972 lui a permis de réaliser le Grand Chelem en carrière, avec notamment un record de 20 titres à Wimbledon (six en simple, dix en double dames et quatre en double mixte). Pendant trois ans, elle a été capitaine de l'équipe américaine de Fed Cup et a fait partie de sept équipes victorieuses. En 2020, la Fed Cup a été rebaptisée Billie Jean King Cup en son honneur.

Parmi les nombreuses distinctions de King, on peut citer le prix de Sportif de l'année décerné par Sports Illustrated en 1972 (partagé avec l'entraîneur de basketball de l'UCLA, John Wooden). Intronisée au Temple de la renommée du tennis international en 1987 ; au Temple de la renommée national des femmes en 1990 ; et décorée de la Médaille présidentielle de la liberté en 2009. En 2013, King figurait parmi les premiers intronisés au Temple de la renommée national des sports gais et lesbiens.

Sa ville natale lui a rendu hommage en créant le Centre de tennis Billie Jean King au Recreation Park et la Bibliothèque principale Billie Jean King dans le centre-ville de Long Beach. Son université, Cal State LA, a baptisé son complexe sportif de 4,5 hectares « Complexe sportif Billie Jean King ». Une statue en bronze de Billie Jean King a été inaugurée sur le campus en 2022, à l'occasion du 50e anniversaire du Titre IX – Billie Jean King avait témoigné en sa faveur.

Féministe engagée de longue date pour les droits des femmes, Billie Jean King est reconnue comme une pionnière de l'égalité des sexes et de la justice sociale. En 1973, elle a remporté le célèbre match de tennis surnommé « La Bataille des sexes » contre Bobby Riggs, ancien numéro un mondial dans les années 1940. La même année, elle a fondé la Women's Tennis Association (WTA) et, en 1974, la Women's Sports Foundation, une organisation à but non lucratif.

En 2018, Billie Jean King et sa compagne, Ilana Kloss, sont devenues actionnaires minoritaires des Los Angeles Dodgers. Ils sont également devenus actionnaires du LA Sparks, équipe de WNBA. Deux ans plus tard, le couple a annoncé son investissement dans l'Angel City FC, qui a fait ses débuts en National Women's Soccer League en 2022.

King a été nommée Grande Maréchale du défilé des Roses 2025, un choix en lien avec le thème de cette année : « Le plus beau jour de ma vie ! », célébrant les plus beaux moments de la vie. « Originaire de Long Beach et ayant grandi en Californie du Sud, je garde de précieux souvenirs des défilés auxquels j’assistais en famille et je suis profondément honorée d’être nommée Grande Maréchale du défilé des Roses 2025 », a déclaré King. « Ce défilé est une merveilleuse célébration de la joie et de la communauté, et il représente véritablement le “plus beau jour de ma vie” pour tous ceux qui y assistent ou le regardent. »

Carol Kaye, l'une des plus grandes bassistes de studio de tous les temps, a participé à environ 10 000 enregistrements au cours d'une carrière de plus de 50 ans. Née à Everett, dans l'État de Washington, elle déménage avec ses parents à Wilmington, au nord de San Pedro, à l'âge de 7 ans. Prodige de la guitare, elle joue avec plusieurs groupes de jazz de Los Angeles dans les années 1950. Sa carrière prend un tournant décisif lorsque le producteur Robert « Bumps » Blackwell, à la recherche d'un guitariste pour la version de « Summertime » par Sam Cooke, passe à l'un de ses concerts. Elle devient rapidement une guitariste de studio très demandée, jouant sur des tubes comme « La Bamba » et « You've Lost That Lovin' Feelin' ». Un jour, lors d'une session chez Capitol Records, un bassiste fait faux bond et on lui demande de le remplacer : elle a trouvé sa voie.

La plus grande reconnaissance de Kaye lui est venue de son rôle de seule femme au sein du Wrecking Crew, le célèbre groupe de musiciens de studio de Los Angeles qui a participé à l'enregistrement de nombreux tubes des années 1960 et 1970. Kaye a joué sur des classiques tels que « These Boots Are Made for Walkin' » de Nancy Sinatra, « River Deep, Mountain High » d'Ike & Tina Turner, « Pet Sounds » des Beach Boys, « Last Train to Clarksville » des Monkees, « The Beat Goes On » de Sonny & Cher, « Wichita Lineman » de Glen Campbell et bien d'autres encore.

Lassée du travail en studio, Kaye s'est tournée vers le cinéma et la télévision : on la retrouve sur les génériques de M.A.S.H. et Shaft, la bande originale de Bullitt et les thèmes des séries télévisées Mission : Impossible et Hawaii Five-O.

Héritière de la Pittsburgh Paint Company et mécène des arts, Christine Wetherill Stevenson rêvait d'ouvrir un théâtre en plein air et d'y produire ses propres pièces. Elle réalisa son rêve en 1920 en inaugurant le Pilgrimage Theatre et en y mettant en scène « The Pilgrimage Play », son adaptation de la vie du Christ. Stevenson mourut subitement en 1922 ; le Hollywood Pilgrimage Memorial Monument (également connu sous le nom de Grande Croix d'Hollywood) fut érigé en sa mémoire un an plus tard. Sa pièce continua d'être jouée chaque été jusqu'en 1929, date à laquelle la structure en bois d'origine fut détruite par un feu de broussailles en octobre.

Un nouveau théâtre, construit au même emplacement en béton coulé et conçu pour évoquer les portes de Jérusalem, ouvrit ses portes en 1931. « The Pilgrimage Play » y fut joué jusqu'en 1964, interrompu seulement par la Seconde Guerre mondiale. Le terrain a été cédé au comté de Los Angeles en 1941. En 1976, le Pilgrimage Theatre a été rebaptisé John Anson Ford Theatre en hommage à John Anson Ford, ancien superviseur du comté de Los Angeles, et à son important apport aux arts dans la ville. Aujourd'hui, The Ford est l'un des principaux lieux de spectacles en plein air de Los Angeles, accueillant une programmation culturelle variée.

Frances Elizabeth Kent est née dans l'Iowa et a fréquenté l'école Blessed Sacrament, où les religieuses ont remarqué son talent artistique. Sa famille a ensuite déménagé à Los Angeles, et à l'âge de 18 ans, elle est entrée dans l'ordre catholique romain du Cœur Immaculé de Marie et a pris le nom de Sœur Mary Corita. Des années plus tard, elle serait connue dans le monde entier sous le nom de Sister Corita.

Frances Kent a suivi des cours à Otis (aujourd'hui Otis College of Art and Design) et au Chouinard Art Institute, a obtenu sa licence à l'Immaculate Heart College et une maîtrise en histoire de l'art à l'Université de Californie du Sud (USC). De 1938 à 1968, elle a vécu et travaillé au sein de la communauté du Cœur Immaculé de Marie. Elle a enseigné l'art à l'Immaculate Heart College et est devenue directrice du département d'art en 1964.

Parmi les méthodes d'enseignement originales de Sœur Corita, on peut citer l'exercice consistant à demander aux étudiants de réaliser 200 dessins ou de dessiner leur bras pendant trois heures sans le regarder. Au début des années 1950, des catholiques progressistes venus de tout le pays étaient envoyés à Los Angeles pour suivre ses cours. Grâce à la proximité de l'école avec le milieu artistique de Los Angeles, sœur Corita put inviter des personnalités de renom telles qu'Alfred Hitchcock, Buckminster Fuller, Charles et Ray Eames, John Cage et Saul Bass.

Autodidacte en gravure, Sœur Corita acquit rapidement une renommée nationale et exposa finalement dans plus de 230 expositions à travers le pays. En 1962, elle visita la première exposition personnelle d'Andy Warhol, « Campbell's Soup Cans », à la galerie Ferus sur La Cienega. Inspirée par le mouvement Pop Art naissant, son art devint de plus en plus politique tout au long des années 1960, abordant des sujets allant des manifestations contre la guerre du Vietnam à la justice sociale et aux droits des femmes.

Les tensions croissantes avec l'archidiocèse de Los Angeles, et en particulier avec le cardinal James McIntyre, poussèrent Corita Kent à revenir à la vie laïque et à s'installer à Boston. Elle continua à créer jusqu'à la fin de sa vie, notamment le timbre « Love » émis par le service postal américain en 1985 et vendu à plus de 700 millions d'exemplaires. Au moment de son décès en 1986, Kent avait créé près de 800 sérigraphies, des milliers d'aquarelles et d'innombrables commandes publiques et privées.

Le Corita Art Center, situé dans le quartier des arts, s'attache à préserver l'héritage de Kent à travers des expositions de son œuvre, des ateliers et d'autres événements artistiques.

L'un des plus grands centres des arts de la scène du pays, The Music Center comprend quatre salles exceptionnelles (le théâtre Ahmanson, le pavillon Dorothy Chandler, le Mark Taper Forum et la salle de concert Walt Disney) et abrite quatre compagnies résidentes de renom : l'Orchestre philharmonique de Los Angeles (LA Phil), l'Opéra de Los Angeles (LA Opera), le Center Theatre Group et le Los Angeles Master Chorale. Le Music Center est également reconnu pour sa programmation de danse prestigieuse, notamment « Glorya Kaufman Presents Dance at The Music Center ».

Le pavillon porte le nom de Dorothy Buffum Chandler, épouse de Norman Chandler, éditeur du Los Angeles Times. Mécène légendaire des arts, Mme Chandler a quasiment sauvé à elle seule le Hollywood Bowl de la faillite grâce à ses concerts de bienfaisance « Save the Bowl » en 1951. À partir de 1955, elle a collecté près de 20 millions de dollars de dons privés pour la construction d'un siège permanent pour l'Orchestre philharmonique de Los Angeles.

Le pavillon Dorothy Chandler a ouvert ses portes le 6 décembre 1964, sous la direction de Zubin Mehta, alors âgé de 28 ans, à la tête de l'Orchestre philharmonique de Los Angeles. Le programme comprenait notamment Jascha Heifetz, considéré par beaucoup comme le plus grand violoniste de tous les temps. Dorothy Chandler faisait la une du magazine TIME du 18 décembre 1964, qui décrivait ses efforts de collecte de fonds comme « peut-être la démonstration la plus impressionnante de virtuosité en matière de levée de fonds et d'engagement civique de toute l'histoire des femmes américaines ». Le théâtre Ahmanson et le Mark Taper Forum ont ouvert en avril 1967. Dorothy Chandler a participé à la planification du Walt Disney Concert Hall, inauguré en 2003. Bien que décédée en 1997, son héritage culturel continuera d'enrichir Los Angeles pour les générations à venir.

Née Edith Claire Posener à San Bernardino, Edith Head est reconnue comme l'une des plus grandes costumières de l'histoire du cinéma. Elle a débuté sa carrière professionnelle comme professeure d'espagnol à la Hollywood School for Girls. Après avoir suivi des cours de dessin au célèbre Chouinard Art Institute de Westlake, elle a été engagée comme dessinatrice de costumes chez Paramount Pictures, où elle a travaillé pendant 43 ans avant de rejoindre Universal Pictures en 1967.

Edith Head a commencé sa carrière à l'époque du cinéma muet et s'est hissée au sommet du panthéon des costumiers hollywoodiens dès les années 1930. En 1938, elle est devenue la première femme à diriger le département des costumes d'un grand studio hollywoodien. Elle a marqué les esprits des cinéphiles avec le sarong de Dorothy Lamour dans <i>Hurricane</i> (1937) et la robe de vison et de paillettes de Ginger Rogers dans <i>Lady in the Dark</i> (1944).

Son approche collaborative de la création de costumes a fait d'Head la créatrice de costumes préférée des plus grandes actrices des années 1940 et 1950, parmi lesquelles : Barbara Stanwyck (Assurance sur la mort, 1944), Bette Davis (Ève, 1950), Olivia de Havilland (L'Héritière, 1949), Gloria Swanson (Boulevard du crépuscule, 1950), Elizabeth Taylor (Une place au soleil, 1951) et Audrey Hepburn, pour laquelle elle a créé des costumes oscarisés pour Vacances romaines (1953) et Sabrina (1954).

Head a également travaillé sur de nombreux classiques d'Alfred Hitchcock, notamment avec Ingrid Bergman dans Les Enchaînés (1946) ; Grace Kelly dans Fenêtre sur cour (1954) et La Main au collet (1955) ; Doris Day (L'Homme qui en savait trop, 1956), Kim Novak (Sueurs froides, 1958) et Tippi Hedren dans Les Oiseaux (1963).

Dès la création de l'Oscar des meilleurs costumes en 1949, Jodie Head fut nommée dans cette catégorie chaque année jusqu'en 1966. Au total, elle reçut 35 nominations aux Oscars et en remporta huit, pour des films comme *L'Héritière* et *L'Arnaque* (1973), qui remporta sept Oscars, dont celui du meilleur film.

Le style personnel si particulier de Jodie Head inspira le design du personnage d'Edna Mode, la costumière des « super-héros » dans *Les Indestructibles* et *Les Indestructibles 2* de Disney/Pixar. (« Pas de capes ! »)

Née et élevée au Canada, la Dr. Elizabeth Stern a effectué son internat aux hôpitaux Good Samaritan et Cedars of Lebanon à Los Angeles en 1942 et y est restée jusqu'à son décès en 1980. À Los Angeles, elle a consacré ses recherches au cancer du col de l'utérus et a réalisé des progrès considérables dans la compréhension du développement et des causes possibles de cette maladie. Elle a étudié la progression lente de la maladie. En 1963, après avoir rejoint l'École de santé publique Fielding de l'UCLA, elle a publié un article sur le lien entre le virus de l'herpès simplex et le cancer du col de l'utérus. Plus tard, après plus d'une décennie d'études auprès de femmes de la région, elle a établi un lien entre l'utilisation de contraceptifs oraux et la maladie. Aujourd'hui, le cancer du col de l'utérus est souvent dépisté et traité précocement, notamment grâce aux recherches menées toute une vie par la docteure Stern.

Surnommée la « Marraine du Punk », Esther Wong est née à Shanghai et a émigré aux États-Unis en 1949 pour fuir la prise de pouvoir communiste en Chine. Après vingt ans passés comme employée dans une compagnie maritime, Esther et son mari George ont ouvert Madame Wong's, un restaurant à thème polynésien situé sur la Central Plaza de Chinatown.

Les affaires étaient au point mort lorsque Paul Greenstein, un « marginal » autoproclamé, aspirant promoteur musical, a approché les Wong. À l'automne 1978, Greenstein les a convaincus de le laisser programmer des groupes punk – un genre musical underground alors émergent. Les soirées du mardi sont rapidement devenues incontournables dans le milieu punk et ont permis de relancer l'activité du restaurant, mais des divergences artistiques ont entraîné l'éviction de Greenstein. Forts du succès de ces soirées punk, les Wong ont ouvert une seconde salle, plus grande, à Santa Monica, baptisée Madame Wong's West. Esther s'est alors chargée de la programmation et s'est tournée vers les groupes new wave et leur public plus calme. Les punks affluaient au Hong Kong Café voisin, qui programmait des groupes refusés par Madame Wong's. Cette rivalité est au cœur de l'épisode « Chinatown Punk Wars » de la saison 14 d'Artbound.

Parmi les groupes notables programmés par Esther, on peut citer The Alley Cats, The Bangs, Black Flag, Candy, Daniel Amos, Fear, Fishbone, The Go-Go's, Guns N' Roses, The Knack, Los Illegals, Los Lobos, The Members, The Motels, Oingo Boingo, The Police, les Ramones, les Red Hot Chili Peppers et X. Le Madame Wong's original a fermé ses portes après un incendie en 1985 ; l'étage est aujourd'hui une résidence privée. Le Madame Wong's West a fermé en 1991.

Née et élevée dans le sud de Los Angeles, Jamesetta Hawkins est mondialement connue sous le nom d'Etta James, dont la voix légendaire a traversé le blues, le R&B, la soul, le jazz, le gospel et le rock 'n' roll. À cinq ans, elle commence à chanter dans la chorale de l'église baptiste Saint-Paul et devient rapidement soliste malgré son jeune âge. Adolescente, elle forme un groupe féminin appelé les Creolettes, rebaptisé ensuite les Peaches. Leur single « The Wallflower » se hisse en tête du classement Billboard Hot Rhythm & Blues Tracks en 1955 et leur permet d'assurer la première partie de la tournée nationale de Little Richard.

Après les Peaches, Etta James signe avec le célèbre label chicagoan Chess Records et sort son premier album, At Last!, en 1960. L'album comprend son titre phare, « At Last », une reprise d'un morceau de Glenn Miller ; des standards de jazz tels que « Stormy Weather » et « A Sunday Kind of Love » ; et le classique du blues de Willie Dixon, « I Just Want to Make Love to You ». Rolling Stone a classé At Last! parmi ses meilleurs albums. Classé 191e sur sa liste des 500 plus grands albums de tous les temps : « James s’est épanouie en une interprète passionnée sur ce LP envoûtant. » Dans sa critique cinq étoiles, Stephen Cook d’AllMusic écrit : « On entend [Etta James] à son apogée dans un programme swing et varié de standards de blues, de R&B et de jazz. »

Etta James a sorti plusieurs autres albums et a classé des singles à succès – même si ceux-ci n'ont pas atteint les sommets critiques et commerciaux d'« At Last! » – notamment « I'd Rather Go Blind » en 1967, devenu depuis un classique du blues et repris par B.B. King, Rod Stewart, Beyoncé et bien d'autres.

Elle est devenue une artiste de scène très demandée, se produisant au Festival de Jazz de Montreux et assurant la première partie des Rolling Stones lors de leur tournée de 1978. Keith Richards a déclaré un jour au magazine TIME : « Etta James était mon âme sœur. » Pendant une longue pause dans sa carrière d'artiste, James s'est produite occasionnellement, notamment en chantant « When the Saints Go Marching In » lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'été de 1984 à Los Angeles, et en duo avec Chuck Berry sur « Rock and Roll Music » dans le documentaire de 1987, « Hail! Hail! Rock 'n' Roll ».

En 1988, Etta James sort son album de retour, Seven Year Itch, et remporte son premier Grammy Award (Meilleur album vocal de jazz) pour Mystery Lady: Songs of Billie Holiday en 1994. Ses deux derniers albums, Let's Roll et Blues to the Bone, lui valent respectivement les Grammy Awards du Meilleur album de blues contemporain et du Meilleur album de blues traditionnel. Etta James est intronisée au Rock and Roll Hall of Fame en 1993 et ​​reçoit un Grammy Award pour l'ensemble de sa carrière en 2003.

L'architecture Googie s'est développée et a prospéré à Los Angeles, où la culture automobile favorisait une architecture et une signalétique remarquables pour les automobilistes. L'une des pionnières de ce style fut l'architecte et décoratrice d'intérieur Helen Liu Fong. Née à Chinatown, elle travailla pour le cabinet Armet & Davis, à qui l'on doit de nombreux restaurants emblématiques du milieu du XXe siècle. Elle participa notamment à des projets comme NORMS sur La Cienega, Pann's à Westchester et Johnie's sur le Miracle Mile. Situé à l'angle de Wilshire et Fairfax, Johnie's est un ancien café devenu un lieu de tournage prisé, apparaissant dans des films tels que « The Big Lebowski » et « Reservoir Dogs ».

Connue durant l'âge d'or d'Hollywood comme « la plus belle femme du monde », Hedy Lamarr  était une émigrée juive qui a fui l'Autriche nazie et signé un contrat avec Hollywood après sa rencontre avec Louis B. Mayer, directeur des studios MGM, à Londres. Suite à son rôle révélateur dans Alger, Lamarr a joué dans des succès tels que Ziegfeld Girl, White Cargo et Samson et Dalila. Elle a également servi de modèle pour Blanche-Neige de Walt Disney et a inspiré le personnage de Catwoman, d'abord dans les bandes dessinées, puis incarné par Anne Hathaway dans The Dark Knight Rises.

Au-delà de sa beauté légendaire et de ses films classiques, Hedy Lamarr restera dans les mémoires pour la technologie de « saut de fréquence » qu'elle a inventée avec le compositeur George Antheil. Conçue pour contrer le brouillage des torpilles alliées par les nazis, cette technologie ne fut adoptée par la Marine américaine que dans les années 1960. Leur invention a servi de base au Wi-Fi sécurisé, au GPS et au Bluetooth ; Lamarr et Antheil ont été intronisés à titre posthume au National Inventors Hall of Fame en 2014. Le documentaire primé de 2017, Bombshell: The Hedy Lamarr Story, explore sa vie incroyable et son héritage en tant qu’inventrice pionnière.

Au cours de sa longue et brillante carrière politique, Hilda L. Solis, superviseure du comté de Los Angeles, a siégé à la Chambre des représentants des États-Unis et a été secrétaire au Travail sous la présidence de Barack Obama, devenant ainsi la première femme d'origine hispanique à occuper un poste ministériel. Défenseure des enjeux environnementaux pour les communautés à faibles revenus et les minorités, Mme Solis a joué un rôle déterminant dans l'adoption de la loi californienne sur la justice environnementale en 1999. Pour son engagement, elle a reçu le prix John F. Kennedy « Profile in Courage » en 2000.

Née au Royaume-Uni dans une famille d'artistes reconnus, Ida Lupino a débuté sa carrière d'actrice à l'adolescence avant de s'installer à Los Angeles. Sa carrière d'actrice, prolifique, s'est étendue des années 1930 à la fin des années 1970. Cependant, c'est en passant derrière la caméra qu'elle est devenue une véritable pionnière. Surnommée « la mère du cinéma indépendant américain » par Vanity Fair, Lupino a réalisé son premier film, Not Wanted, à une époque où ce poste était extrêmement rare pour une femme. En 1949, elle a réalisé son premier long métrage (non créditée au générique). S'en sont suivis plusieurs autres réalisations, du film noir The Hitch-Hiker à la comédie pour adolescents The Trouble with Angels. Elle a également brillé à la télévision, réalisant des épisodes de séries cultes telles que The Donna Reed Show, Alfred Hitchcock Presents, The Twilight Zone et Bewitched.

Originaire d'Allemagne, Jeanne Córdova est diplômée avec mention de l'UCLA, où elle a obtenu une licence en travail social, puis une maîtrise dans ce même domaine. Après un passage comme religieuse au couvent du Cœur Immaculé de Marie, elle révèle son homosexualité et se consacre à l'écriture et au militantisme au début des années 1970. Elle devient éditrice du magazine Lesbian Tide et chroniqueuse pour le Los Angeles Free Press. Plus tard, elle fonde les Pages Jaunes communautaires pour soutenir les entrepreneurs gays et lesbiennes, et poursuit son activité d'écriture. Ses articles paraissent dans des publications telles que The Advocate et The Nation, ainsi que dans plusieurs anthologies. Elle est l'auteure de trois livres, dont le récit autobiographique When We Were Outlaws.

Situé à la limite de Koreatown, dans le quartier d'Arlington Heights, le Catch One est l'une des boîtes de nuit les plus en vue de Los Angeles, proposant une programmation éclectique mêlant électro, hip-hop, indie dance, métal et rock. Le Catch One s'appelait à l'origine Jewel's Catch One. Ouvert en 1973, Jewel's fut la première discothèque exclusivement gay et lesbienne du pays, réservée à la communauté afro-américaine. Durant les quarante années d'âge d'or du club, sa propriétaire, Jewel Thais-Williams, a accueilli des personnalités telles que Madonna, Rick James et la « Reine du Disco », Sylvester. En reconnaissance de son engagement auprès de la communauté LGBT, Thais-Williams a été nommée Grande Maréchale de la Marche des Fiertés de Los Angeles 2016 à West Hollywood.

De jeune star à actrice oscarisée, Jodie Foster continue d'enrichir une carrière brillante qui s'étend sur près de 60 ans. Née et élevée à Los Angeles, elle fait ses débuts à l'âge de trois ans dans une publicité pour Coppertone. Elle apparaît dans de nombreuses séries télévisées dans les années 1960 et 1970, ainsi que dans des films Disney comme « Dreaky Friday ». En 1974, elle obtient un second rôle dans « Alice Doesn't Live Here Anymore » de Martin Scorsese. Scorsese lui confie ensuite le rôle d'une enfant prostituée dans son film suivant, « Taxi Driver » (1976). Foster est nommée à l'Oscar de la meilleure actrice dans un second rôle et remporte les BAFTA de la meilleure actrice dans un second rôle et de la révélation féminine de l'année. La même année, elle tient le rôle principal dans « Bugsy Malone » d'Alan Parker, pour lequel elle remporte également deux BAFTA.

Après avoir obtenu son diplôme avec mention très bien de Yale en 1985, Foster se tourne vers le cinéma adulte. Sa carrière a pris un tournant décisif avec son interprétation d'une victime de viol dans Les Accusés (1988), rôle qui lui a valu l'Oscar de la meilleure actrice. Elle a de nouveau triomphé aux Oscars avec Le Silence des agneaux (1991), où elle incarnait Clarice Starling, une stagiaire du FBI, face à Sir Anthony Hopkins dans le rôle du tueur en série Hannibal Lekter. Outre les Oscars pour les deux acteurs principaux, le film a remporté les prix du meilleur film, du meilleur réalisateur (Jonathan Demme) et du meilleur scénario adapté (Ted Tally).

Dans les années 2000, elle a joué dans des films acclamés par la critique et le public, tels que Panic Room (2002) de David Fincher, Inside Man (2006) de Spike Lee et Carnage (2011), rôle qui lui a valu une nomination aux Golden Globes dans la catégorie meilleure actrice. Elle a reçu le prix Cecil B. DeMille lors de la 70e cérémonie des Golden Globes et a remporté le Golden Globe de la meilleure actrice dans un second rôle pour La Mauritanie (2021). Elle a été nominée pour le prix de la meilleure actrice dans un second rôle pour Nyad (2023) lors de la 96e cérémonie des Oscars et a été saluée pour son rôle de chef Liz Danvers dans True Detective : Night Country.

Joni Mitchell, l'une des plus grandes auteures-compositrices-interprètes de l'histoire de la musique, est née en Alberta, au Canada. Elle a débuté sa carrière dans de petits clubs avant de partir en tournée aux États-Unis à l'âge de 22 ans. David Crosby l'a remarquée sur scène dans une boîte de nuit en Floride et l'a invitée à Los Angeles, où elle a enregistré son premier album, *Song to a Seagull*, en 1968. De 1969 à 1974, Mitchell a vécu à Laurel Canyon avec d'autres légendes du rock, notamment Jim Morrison, Frank Zappa et des membres des Mamas & The Papas, des Byrds et de Crosby, Stills & Nash.

En 1971, elle a enregistré l'album mythique Blue, classé troisième dans l'édition 2020 du classement des 500 plus grands albums de tous les temps du magazine Rolling Stone. Le New York Times a sélectionné Blue parmi les 25 albums ayant marqué un tournant et culminé dans la musique populaire du XXe siècle, et NPR l'a classé numéro 1 de sa liste 2017 des meilleurs albums réalisés par des femmes.

Parmi les nombreuses distinctions de Joni Mitchell, on compte son intronisation au Rock and Roll Hall of Fame en 1997. Elle a remporté 11 Grammy Awards : le premier en 1969, un Grammy Lifetime Achievement Award en 2002, et plus récemment celui du Meilleur album folk en 2024, année où elle s'est produite pour la première fois lors de cette cérémonie. Cette performance marquait son retour triomphal sur scène après un anévrisme cérébral survenu en 2015.

En novembre 2018, elle a assisté à un concert hommage au Dorothy Chandler Pavilion, dont l'enregistrement est sorti en mars suivant sous le titre Joni 75: A Birthday Celebration. En octobre 2024, Joni Mitchell & The Joni Jam au Hollywood Bowl ont marqué ses premiers concerts en tête d'affiche à Los Angeles depuis 2000 ; et plus récemment, elle a interprété « Both Sides Now » au concert FireAid réunissant de nombreuses stars en janvier 2025.

Née et élevée à Los Angeles, Karen Bass est la 43e maire de Los Angeles, la première femme et la deuxième Afro-Américaine (après Tom Bradley) à occuper ce poste. Ancienne élève du lycée Alexander Hamilton, elle a également étudié à l'université d'État de Californie à Dominguez Hills et à l'université de Californie du Sud (USC). En 2004, elle a été élue députée du 47e district de Californie à l'Assemblée de l'État. À l'époque, elle était la seule femme afro-américaine siégeant à cette assemblée. Elle a été la 67e présidente de l'Assemblée de Californie de mai 2008 à mars 2010, membre de la Chambre des représentants des États-Unis de janvier 2011 à décembre 2022 et la 26e présidente du Caucus des élus noirs du Congrès de janvier 2019 à janvier 2021. Karen Bass a prêté serment comme maire le 10 décembre 2022, le lendemain, lors d'une cérémonie d'investiture publique, en présence de la vice-présidente Kamala Harris.

Lillian Disney était une artiste à l'encre et l'épouse de Walt Disney de 1925 jusqu'à son décès en 1966. On lui attribue notamment le nom du personnage de dessin animé adoré de son mari, Mickey Mouse. Lors d'un voyage en train de New York à la Californie en 1928, Walt montra à Lillian un dessin de « Mortimer Mouse », qui trouva le nom « trop triste » et suggéra « Mickey Mouse » à la place.

En 1987, Lillian fit un don de 50 millions de dollars pour la construction du Walt Disney Concert Hall, conçu par Frank Gehry et inauguré en 2003, six ans après sa mort. Le Blue Ribbon Garden est le jardin caché sur le toit du bâtiment. Parmi ses joyaux figure « Une Rose pour Lilly », la fontaine que Gehry a conçue en hommage à Lillian et à son amour pour les vases en porcelaine de Delft et les roses. Lillian a également contribué au financement de la fondation du California Institute of the Arts (alias CalArts), qui a ouvert ses portes en 1971 et compte parmi ses nombreux anciens élèves célèbres Tim Burton, Don Cheadle, Sofia Coppola et les animateurs de Pixar, lauréats d'un Oscar.

Lisa Leslie a été la première joueuse draftée par les Los Angeles Sparks lors de la création de la WNBA en 1997. Originaire de Gardena, dans la baie sud de Los Angeles, elle s'est fait remarquer dès le lycée, au sein de l'équipe championne d'État de Morningside High School à Inglewood. Elle a ensuite joué pour l'USC et remporté une médaille d'or aux Jeux olympiques d'été d'Atlanta, avant de rejoindre la WNBA. Leslie a passé toute sa carrière professionnelle chez les Sparks, remportant deux titres de championne et trois trophées de MVP.

En 2002, Leslie est devenue la première joueuse à dunker lors d'un match de WNBA. Elle a pris sa retraite en 2009 à l'âge de 36 ans et son maillot a été retiré l'année suivante. Aujourd'hui, elle est actionnaire de l'équipe.

Née à Jamestown, dans l'État de New York, Lucille Ball s'installe à Hollywood pour tenter sa chance dans le monde du spectacle. Sous contrat avec la RKO, elle décroche de nombreux petits rôles dans les années 1930, d'un court métrage des Trois Stooges à « Room Service » des Marx Brothers, en passant par le classique « Top Hat » avec Astaire et Rogers. En 1940, elle tient le rôle principal dans la comédie musicale « Too Many Girls », où elle rencontre le chef d'orchestre cubain Desi Arnaz, dont elle tombe amoureuse. Les deux tourtereaux s'enfuient quelques mois après la sortie du film. Dans les années 1940, elle signe avec la MGM, mais n'y atteint jamais la célébrité, ce qui lui vaut le surnom de « Reine des films de série B ».

Comme beaucoup de starlettes de l'époque, Lucille Ball travaille à la radio pour gagner un peu d'argent et se faire connaître. Elle interprète le rôle d'une ménagère excentrique dans « My Favorite Husband », une émission spéciale humoristique diffusée sur CBS Radio en juillet 1948. Son succès donne naissance à une série radiophonique, avec Richard Denning dans le rôle de son mari. CBS souhaitait adapter la série en version télévisée avec Ball et Denning, mais Ball refusa à moins que son mari à l'écran ne soit interprété par son époux dans la vie, Desi Arnaz. Les dirigeants hésitaient à engager un couple mixte, alors Ball et Arnaz fondèrent une société de production, Desilu, organisèrent une tournée et finirent par convaincre la chaîne du potentiel de leur concept.

La série « I Love Lucy » a été diffusée pour la première fois sur CBS le 15 octobre 1951 et a duré six saisons. Avec Vivian Vance et William Frawley dans les rôles principaux, « I Love Lucy » fut la première série à réunir une distribution d'ensemble et la première fiction télévisée à être tournée en 35 mm devant un public en studio. Le directeur de la photographie était Karl Freund, lauréat d'un Oscar, qui avait travaillé sur des films classiques tels que « Metropolis » (1927) et « Dracula » (1931).

Récompensée par cinq Emmy Awards, « I Love Lucy » est devenue l'émission la plus regardée aux États-Unis pendant quatre de ses six saisons et la première à terminer sa diffusion en tête des audiences Nielsen. L'épisode « Lucy Goes to the Hospital » de la saison 2, où Lucille Ball accouche du petit Ricky, est l'un des événements télévisés les plus regardés de tous les temps : il a enregistré une audience record de 71,7 %, soit 71,7 % des foyers équipés d'un téléviseur (environ 44 millions de téléspectateurs). Un sondage réalisé en 2012 par ABC News et People a désigné « I Love Lucy » comme la « Meilleure série télévisée de tous les temps ».

Après son divorce avec Arnaz en 1960, Ball racheta ses parts de Desilu et devint la première femme à diriger un grand studio. Outre « I Love Lucy », Desilu produisit des séries télévisées cultes comme « Star Trek : La Série originale », « Mission : Impossible » et « Les Incorruptibles ». Ball vendit ses parts de Desilu à Gulf+Western pour 17 millions de dollars (l'équivalent de 149 millions de dollars actuels), et la société fut rebaptisée Paramount Television.

En mars 2020, Lucille Ball figurait parmi les 100 Femmes de l'année du magazine TIME, une liste des femmes les plus influentes du siècle dernier. Parmi ses nombreuses distinctions, on compte deux étoiles sur le Hollywood Walk of Fame en 1960 ; un prix du Kennedy Center en 1986 ; la Médaille présidentielle de la Liberté à titre posthume en 1989 ; et un timbre commémoratif émis par le service postal américain le 6 août 2011, date qui aurait marqué son 90e anniversaire..

Norma Jeane Mortenson est née à Los Angeles le 1er juin 1926. Le monde la connaît aujourd'hui sous le nom de Marilyn Monroe, l'une des plus grandes stars du cinéma des années 1950 et du début des années 1960, dont la vie a été tragiquement interrompue à l'âge de 36 ans. Monroe était célèbre pour ses rôles comiques dans des classiques tels que « Les hommes préfèrent les blondes », « Comment épouser un millionnaire », « Sept ans de réflexion » et « Certains l'aiment chaud ». Soucieuse d'échapper à l'image stéréotypée qu'on lui collait, elle a étudié à l'Actors Studio. Sa performance dramatique dans « Arrêt d'autobus » lui a valu les éloges de la critique et une nomination aux Golden Globes.

Depuis sa mort controversée – officiellement considérée comme un « suicide probable » –, Monroe est devenue une légende du cinéma, un sex-symbol international et une icône de la culture populaire. En mars 2020, elle a été nommée parmi les 100 Women of the Year par le magazine TIME, une liste des femmes les plus influentes du siècle dernier.

Poursuivez votre lecture pour découvrir les lieux à Los Angeles où vous pourrez découvrir l'héritage durable de Marilyn Monroe, de ses hôtels et restaurants préférés à l'une des plus importantes collections au monde d'objets ayant appartenu à Marilyn.

Surnommée « la chérie de l'Amérique », la « Reine du cinéma » et « la fille aux boucles », Mary Pickford fut l'une des plus grandes stars de l'âge d'or d'Hollywood. Elle a joué dans 52 longs métrages et est reconnue pour avoir défini l'archétype de l'ingénue au cinéma : une jeune fille ou une jeune femme d'une innocence touchante. Elle reçut le deuxième Oscar de la meilleure actrice pour son premier rôle dans un film parlant, Coquette (1929), et un Oscar d'honneur en 1976. Pickford a contribué à la fondation de l'Académie des arts et des sciences du cinéma et du Motion Picture Relief Fund.

Bien plus qu'une simple star de cinéma, Mary Pickford a cofondé non pas un, mais deux studios : le premier, Pickford-Fairbanks Studio (aujourd'hui connu sous le nom de The Lot), et, en 1919, United Artists, avec Charlie Chaplin, D.W. Griffith et Douglas Fairbanks. Mary Pickford a joué un rôle déterminant dans la conception du cinéma phare du studio, aujourd'hui connu sous le nom de United Theater on Broadway. Après avoir pris sa retraite d'actrice au début des années 1930, elle a continué à produire des films pour United Artists. Décédée en 1979, elle a vu son œuvre philanthropique perpétuée par la fondation qui porte son nom.

Parmi les nombreuses distinctions qui lui ont été décernées, on compte une étoile sur le Walk of Fame et ses empreintes de mains et de pieds au TCL Chinese Theatre. Le Pickford Center for Motion Picture Study à Hollywood et le Mary Pickford Theater à la Bibliothèque du Congrès portent son nom.

Misty Copeland n'a commencé le ballet qu'à l'âge de 13 ans, mais son talent était indéniable. Adolescente, elle s'est entraînée à l'école de ballet de San Pedro. Aujourd'hui, une fresque à son effigie orne le côté du bâtiment et un carrefour voisin porte son nom. En 2015, elle est entrée dans l'histoire en devenant la première Afro-Américaine à être promue danseuse étoile à l'American Ballet Theatre. Misty Copeland a interprété des rôles principaux dans des ballets célèbres tels que Le Lac des cygnes et L'Oiseau de feu.

La célèbre chef et boulangère Nancy Silverton a marqué de son empreinte non seulement la scène culinaire de Los Angeles, mais elle est également reconnue pour son rôle dans la popularisation du pain au levain et du pain artisanal à travers le pays. Ayant grandi dans la vallée de San Fernando, Silverton a étudié les sciences politiques à l'université d'État de Sonoma, mais a abandonné ses études après une révélation : elle voulait devenir chef. Diplômée du Cordon Bleu à Londres, elle a travaillé chez Michael's, puis est devenue la chef pâtissière du restaurant Spago de Wolfgang Puck en 1982.

En 1989, Silverton et son mari de l'époque, Mark Peel, ont ouvert le Campanile, restaurant renommé situé sur La Brea. Deux ans plus tard, Silverton a remporté le prix James Beard de la meilleure chef pâtissière. Dans un article élogieux paru dans le LA Times, le regretté Jonathan Gold écrivait : « Il est difficile de surestimer la contribution du Campanile à la cuisine américaine. » Six mois avant l'ouverture du Campanile, Silverton et Peel avaient inauguré la Brea Boulangerie, qui a connu un succès immédiat, à l'image du restaurant pour lequel elle avait été créée. La soirée « Grilled Cheese Night » incroyablement populaire du restaurant Campanile à Silverton est considérée comme l'origine d'une tendance mondiale.

Après avoir quitté Campanile – fermé en 2012 et désormais occupé par République –, Silverton a ouvert Pizzeria Mozza et Osteria Mozza en 2007. Le « Mozzaplex » s'est achevé avec l'ouverture de Chi Spacca en 2013. Silverton a été nommé Chef Exceptionnel, la plus haute distinction des James Beard Foundation Awards, en 2014. L'année suivante, il a lancé Nancy's Fancy, une gamme de glaces et sorbets artisanaux.

En février 2018, Silverton, Matt Molina, lauréat du prix James Beard, et Randy Clement de Silverlake Wine se sont associés pour ouvrir Triple Beam Pizza à Highland Park. Depuis, des succursales ont ouvert à Echo Park, Glendora et Santa Monica.

Silverton a récemment ouvert deux nouveaux restaurants : Lapaba, un bar à pâtes italo-coréen à Koreatown, et le restaurant Max and Helen's à Larchmont Village.

Architecte pionnière, Norma Merrick Sklarek a laissé son œuvre dans tout Los Angeles, du terminal 1 de l'aéroport international de Los Angeles au Pacific Design Center et au Fashion Institute of Design and Merchandising. En 1962, lorsqu'elle obtint son diplôme d'architecte en Californie, elle fut la première femme noire à y parvenir. Elle avait déjà obtenu son diplôme à New York, où elle avait auparavant travaillé. La carrière de Sklarek fut longue, mais semée d'embûches ; la nécrologie du Los Angeles Times parue après son décès en 2012 soulignait les attitudes racistes et sexistes auxquelles elle avait été confrontée dans sa profession. Au milieu des années 1980, elle co-fonda un cabinet d'architectes exclusivement féminin et fut finalement élue membre du Collège des Fellows de l'American Institute of Architects.

Née à Pasadena, Octavia E. Butler était une pionnière de la science-fiction et lauréate de nombreux prix Hugo et Nebula. En 1995, elle devint la première auteure de science-fiction à recevoir la prestigieuse bourse MacArthur. Dans un genre littéraire traditionnellement dominé par les hommes blancs, Butler a brisé les barrières avec des récits empreints d'une perspective afro-américaine et d'une esthétique féministe. Elle a également questionné l'identité de genre : Bloodchild (1995), roman récompensé par les prix Hugo et Nebula, raconte l'histoire d'un homme enceinte ; et Wild Seed (1980) met en scène deux Africains immortels capables de métamorphose et de changement de sexe, Doro et Anyanwu.

Dans sa nécrologie de 2006, The New York Times soulignait que les romans d'Octavia E. Butler, reconnus internationalement, « explorent des questions fondamentales telles que la race, le sexe, le pouvoir et, en fin de compte, ce que signifie être humain ». Publié en 1979, Kindred est sans doute son œuvre la plus célèbre et figure régulièrement au programme des lycées et des universités. L'héroïne, Dana, est une écrivaine afro-américaine vivant à Los Angeles en 1976, qui se met soudainement à voyager dans le temps, notamment entre son époque et une plantation du Maryland datant d'avant la guerre de Sécession. L'écrivain Walter Mosley a décrit Kindred comme « l'apogée de la science-fiction ». En décembre 2022, FX a diffusé sur Hulu une série de huit épisodes inspirée de Kindred.

Dans son testament, Octavia E. Butler a légué ses archives à  The Huntington Library. Comptant plus de 8 000 pièces, la collection Octavia E. Butler inclut ses manuscrits inédits, ses journaux intimes, ses recherches, ses notes, ses lettres et autres documents divers.

Octavia E. Butler a été intronisée à titre posthume au Science Fiction Hall of Fame en 2010. En 2019, la bibliothèque centrale de Los Angeles, lieu emblématique du centre-ville, a inauguré l'Octavia Lab, un espace de création et un studio audiovisuel, en son honneur.

La NASA a baptisé le site d'atterrissage du rover Perseverance de la mission Mars 2020 « Octavia E. Butler Landing ». En septembre 2022, Octavia E. Butler a été intronisée au National Women's Hall of Fame. Le même mois, la Washington STEAM Multilingual Academy de Pasadena a été officiellement rebaptisée Octavia E. Butler Magnet.

En février 2023, Nikki High a ouvert Octavia’s Bookshelf, une librairie indépendante qui invite les lecteurs de tous âges et de tous horizons à « passer un agréable moment à explorer notre sélection de livres écrits par des auteurs BIPOC ». Le LA Times souligne qu’Octavia’s Bookshelf est « située dans le même quartier où Butler a vécu et puisé son inspiration pour ses romans ».

Handler watched her daughter Barbara and friends playing with paper dolls and role-playing grown-ups, and saw an opportunity - dolls at that time were mostly infants, no dolls on the market resembled adults. During a trip to Europe in 1956 with Barbara and her son Kenneth, Ruth came across an adult-style German doll called Bild Lilli - it was exactly what Ruth had in mind.

La créatrice de Barbie, Ruth Handler (née Mosko), est née à Denver, dans le Colorado. Durant l'été de sa deuxième année d'université, elle décrocha un emploi aux studios Paramount. Après avoir épousé son amour de lycée, Izzy Handler, le couple s'installa à Los Angeles, où Ruth retourna chez Paramount. Izzy changea son nom en Elliot et devint concepteur lumière.

Les Handler fondèrent une entreprise de meubles, rebaptisée Mattel en janvier 1945 lorsque le dirigeant Harold « Matt » Matson rejoignit la société. Ruth fut la première présidente de Mattel, de 1945 à 1975. En raison de problèmes de santé, Matson vendit ses parts de Mattel à Ruth en 1946. Face à la baisse des ventes pendant la Seconde Guerre mondiale, l'entreprise se tourna vers le mobilier miniature, puis vers la fabrication de jouets.

En observant sa fille Barbara et ses amies jouer avec des poupées en papier et imiter les adultes, Ruth Handler entrevit une opportunité : à cette époque, les poupées représentaient principalement des bébés, et aucune poupée sur le marché ne ressemblait à un adulte. Lors d'un voyage en Europe en 1956 avec Barbara et son fils Kenneth, Ruth découvrit une poupée allemande pour adultes appelée Bild Lilli - c'était exactement ce qu'elle avait en tête.

De retour à Los Angeles avec Bild Lillis, Handler collabora avec le créateur Jack Ryan et redessina la poupée. Elle la baptisa Barbie, en hommage à sa fille. Barbie fut présentée pour la première fois à la Foire internationale du jouet de New York le 9 mars 1959. Ce fut un succès immédiat : plus de 300 000 poupées furent vendues dès la première année. Mattel ajouta par la suite un petit ami pour Barbie, Ken, nommé ainsi en l'honneur du fils des Handler. Une gamme diversifiée de poupées Barbie a été lancée au cours des décennies suivantes, proposant plus de 125 métiers et un large choix de vêtements, d'accessoires, d'articles de sport, de voitures et de maisons de poupées.

Mattel a vendu plus d'un milliard de poupées Barbie à travers le monde. Plus de 100 Barbies sont vendues chaque minute et une Maison de Rêve Barbie toutes les deux minutes. Barbie est devenue une icône culturelle : Andy Warhol a réalisé un tableau de Barbie en 1986 ; Barbie a célébré son 50e anniversaire avec un défilé lors de la Fashion Week de New York en 2009. Le Louvre a présenté une exposition de 700 poupées Barbie en 2016.

Ruth Handler est interprétée par Rhea Perlman dans le film Barbie, avec Margot Robbie dans le rôle-titre et Ryan Gosling dans celui de Ken, performance qui lui a valu une nomination aux Oscars. Barbie a reçu huit nominations aux 96e Oscars, dont celle de la meilleure actrice dans un second rôle pour America Ferrera, originaire de Los Angeles, et deux nominations pour la meilleure chanson originale (« I'm Just Ken » et « What Was I Made For »).

Née et élevée dans le quartier d'Encino, dans la vallée de San Fernando, Sally Ride est devenue la première Américaine et la troisième femme à aller dans l'espace. Après avoir étudié à l'UCLA, où elle était la seule femme à se spécialiser en physique, elle a intégré Stanford, où elle a obtenu en 1973 une licence en physique et une licence en littérature anglaise. Elle a ensuite décroché une maîtrise en physique et un doctorat en philosophie.

En janvier 1977, Sally Ride a répondu à une annonce de la NASA, qui recrutait des astronautes pour le programme de la navette spatiale. Parmi des milliers de candidats, elle a été retenue parmi les 208 finalistes. Un an plus tard, elle a été sélectionnée pour faire partie du groupe d'astronautes n° 8 de la NASA, le premier à inclure des femmes et des astronautes issus de minorités. En août 1979, la NASA a annoncé que 35 candidats astronautes, dont Sally Ride, avaient terminé leur formation et leur évaluation, et étaient désormais officiellement astronautes, aptes à être sélectionnés pour les équipages des vols spatiaux.

Sally Ride a été opératrice au sol pour les missions STS-7 et STS-8 (CapCom) des deuxième et troisième vols de la navette spatiale, et a contribué au développement du système de télémanipulation de la navette (RMS), également connu sous le nom de « Canadarm » ou bras robotique. En avril 1982, la NASA a annoncé que Sally Ride ferait partie de l'équipage de la mission STS-7. La navette spatiale Challenger a décollé du Centre spatial Kennedy le 18 juin 1983, avec Ride à son bord en tant que spécialiste de mission. En plus d'être la première Américaine dans l'espace, Ride est également devenue la plus jeune astronaute américaine à l'âge de 32 ans. Plusieurs satellites ont été déployés au cours de ce vol spatial historique. Challenger a atterri sur la base aérienne d'Edwards le 24 juin.

Le deuxième vol spatial de Ride fut la mission STS-41G en 1984, également à bord de Challenger. Cette mission est entrée dans l'histoire comme la première avec deux femmes parmi les membres d'équipage : Ride et Kathryn D. Sullivan, qui a fréquenté le lycée Taft à Woodland Hills et est devenue la première Américaine à effectuer une sortie extravéhiculaire. Sally Ride a passé plus de 343 heures dans l'espace avant de quitter la NASA en 1987.

En 2001, elle et sa compagne, le Dr Tam O’Shaughnessy, ainsi que trois collègues partageant les mêmes valeurs, ont fondé l'entreprise Sally Ride Science. Leur objectif : inspirer les filles et les garçons de tous horizons dans les domaines des sciences, des technologies, de l'ingénierie et des mathématiques (STEM) et promouvoir la culture scientifique. Après le décès de Sally Ride en 2012, l'entreprise est devenue une organisation à but non lucratif basée à l'Université de Californie à San Diego (UC San Diego).

Parmi les nombreuses distinctions reçues par Sally Ride, on peut citer la Médaille présidentielle de la Liberté, remise à titre posthume par le président Barack Obama au Dr O'Shaughnessy lors d'une cérémonie à la Maison-Blanche en novembre 2013 ; et le RV Sally Ride, premier navire de recherche de l'US Navy à porter le nom d'une scientifique. et un timbre permanent émis par le service postal américain (USPS) en 2018.

En tant que l'une des deux premières personnalités honorées dans la série des pièces de 25 cents américaines (American Women Quarters), Ride est entrée dans l'histoire en mars 2022 en devenant la première personne LGBTQ+ à figurer sur la monnaie américaine.

Wallis Annenberg était présidente du conseil d'administration, présidente et directrice générale de la Fondation Annenberg, basée à Los Angeles, qui finance et soutient des organisations à but non lucratif aux États-Unis et dans le monde. Elle a également été à l'origine de l'ouverture de lieux culturels tels que l'Annenberg Space for Photography à Century City, qui a fermé ses portes en 2020. Parmi ses autres projets figurent le Wallis Annenberg Center for the Performing Arts à Beverly Hills et l'Annenberg Community Beach House, un espace de baignade et d'événements publics gratuits à Santa Monica.